Вопрос №3.1. Древнегреческий театр.
Два раза в году (осенью, после сбора урожая, и весной, когда расцветала природа и открывали бочки молодого вина) древние греки устраивали в честь бога виноделия «страсти Диониса» - празднества, которые освобождали человека от мирских забот и уравнивали всех: крестьян и аристократов, ремесленников и полководцев. Осенью на селе устраивались Сельские Дионисии. В Афинах эти представления превратились в более праздничное действо, которое отмечалось весной в течение пяти дней и называлось Великие, или Городские, Дионисии. В 534 г. до нашей культ Диониса стал государственным. В первый день Великих Дионисий проходили шествия и жертвоприношения, а в течение остальных четырех дней показывались спектакли.
Организовывал театральные представления архонт - представитель городских властей. Он назначал из состоятельных граждан хорега (мецената), который оплачивал постановку пьес. Театральные представления продолжались несколько дней с утра и до темноты, и зритель успевал просмотреть три-четыре пьесы. Чтобы выдержать столь долгий спектакль, зрители приносили с собой из дома пищу, напитки и подушки на каменную скамью, чтобы было удобнее сидеть.
Еще во время Сельских Дионисий земледельцы одевали козлиные шкуры и маски,
подражая сатирам. Они пели в честь Диониса хвалебные песни-гимны - дифирамбы - и
изображали какой-нибудь его чудесный подвиг.>Эта группа певцов называлась хором. В
первых представлениях пел только хор, но позже руководитель этого хора - корифей - и
изображавший бога Диониса актер стали вести с хором и друг с другом разговор -
диалог.
Так из хоровых песен козлоногих спутников Диониса возникли главные жанры греческого театрального искусства: трагедия и комедия. Слово «трагедия» в дословном переводе означает «песнь козлов». Комедия же родилась из песен веселых поселян, шествие которых во время Сельских Дионисий называлось комос. Позднее появился третий тип греческой драмы - «драма сатиров» («трагедия, которая шутит»).
Трагедия, обычно рассказывая о богах и героях из мифов, поднимала вечные проблемы, например, о чести и доблести. Персонажи комедий были, как правило, обыкновенными людьми, ошибки и пороки которых высмеивались с выдумкой, весельем и грубоватыми шутками. В сатировской драме трагическая тема и трагические герои изображались комически, а хор был одет сатирами, которые представляли полулюдей-пол у зверей.
Первоначально театрализованные выступления проходили на рыночных площадях, но позднее в греческих городах стали строить по склонам гор и холмов открытые театры. Греческий театр, как и храм, был связан с природой. Крыши и стен не было, и зритель, кроме круглой площадки с актерами, мог видеть окружающий пейзаж с голубыми горами и морем.
Театр состоял из трех основных частей: театрона, орхестры и скены.
Театрон («место для зрелищ») - это зрительские скамьи, сооруженные на склоне холма и вмещавшие тысячи людей. Они разделялись проходами на секторы. Знатные люди занимали специальные каменные сидения в первом ряду.
Другая часть театра - орхестра («место для пляски»), представляла собой круглую площадку, на которой выступали актеры и хор. В центре орхестры находился алтарь, который использовался для жертвоприношений богу Дионису, что еще раз доказывает возникновение греческого театра из религиозного обряда. Выходил хор на орхестру через боковой проход - парод, Акустика театра была такой хорошей, что слова, произнесенные шепотом на орхестре, были слышны на самых отдаленных скамьях театрона (амфитеатра).
У края орхестры против мест зрителей возводилось скена («палатка») - небольшое здание, где устанавливались декорации. Первоначально скена действительно играла роль палатки, где переодевались актеры, т.е. была своеобразным закулисным помещением. Но позднее она стала играть роль архитектурного и декорационного фона к спектаклю. Из трех элементов театра скена была наиболее подвержена изменениям. Позднее она стала возводиться в два этажа, а действие пьесы переносилось на крышу первого этажа.
Убранство скены менялось в зависимости от типа пьесы. Для представления трагедии нужны были элементы дворцовой обстановки: колонны, фронтоны, статуи. В комедиях персонажи выступали в более простой среде, и декорации изображали частные дома с балконами и окнами с видами на окружающую местность. Сатировская драма требовала декораций с изображением видов природы: леса, гор, пещер. Часто на скене использовались простейшие механизмы для актеров, изображающих летающих по воздуху богов. Однако греческий театр не был натуралистичным. То, чего нельзя было изобразить, домысливал сам зритель.
Первоначально спектакль представлял собой песни и танцы в исполнении хора. Позднее появился актер, который вел диалог с предводителем хора. Затем в пьесах стали играть второй и третий актеры, а хор только комментировал события.
Участниками представлений в Древней Греции были только мужчины. Чтобы лучше было видно происходящее на сцене, актеры играли на котурнах - специальной возвышающей рост актера обуви на толстой подошве, и в мужских и женских масках, которые были больше лица героя и имели крупные, выразительные черты. Кроме этого у масок был сделан большой рот в виде рупора, что усиливало голос актера. Меняя маски, актеры исполняли несколько ролей. Раскрашенные маски из холста, пробки или глины изображали душевное состояние героя - радость, горе, боль, страх, жестокость и т. д. Поверх маски иногда одевался парик с пышной прической, достойной богов и героев. Выступали актеры в костюмах. Счастливые персонажи одевались в яркие костюмы, а трагические - в темные.
Всемирную славу искусству греческого театра принесли Эсхил, Софокл, Еврипид и Аристофан. Их влияние на последующую мировую литературу огромно. Поэты, драматурги, музыканты, художники всех эпох обращались к их бессмертным произведениям. Их творчество сыграло огромную роль в воспитании многих поколений.
Эсхил . Его по праву считают «отцом трагедии», 13 раз он был победителем драматических состязаний, и его пьесы получили право на повторные постановки. Эсхил ввел в трагедию второго актера и перевел внимание с хора на диалог актеров, увеличив число диалогов и действующих лиц. Он ввел роскошные костюмы, маски, котурны и разнообразные сценические приспособления. («Персы», «Прикованный Прометей»). В трагедиях, посвященных богам и героям из мифов, Эсхил выступал как пламенный патриот, враг насилия и невежества, верящий в разум и справедливость. Его произведения воспитывали в согражданах мужество, мудрость и чувство меры - то, что древними ценилось в человеке более всего.
Софокл. Расцвет его творчества приходится на время наивысшего культурного и экономического подъема Афин. В 468 г. до н. э. в состязаниях трагических поэтов он сумел победить великого Эсхила. Он ввел третьего актера и сократил объем партий хора. («Царь Эдип» и «Антигона»).
Еврипид. На состязаниях трагиков он одержал четыре победы, а пятую ему присудили посмертно. Лучшая из дошедших трагедий - «Медея». В своих произведениях Еврипид приближает трагедию к жизни, показывая своих героев такими, какие они есть
Аристофан - «отец комедии», прославился замечательными комедиями, которые высмеивали уродливые стороны жизни человека. («Облака, «Мир», «Птицы»). Остроумные комедии Аристофана, затрагивая важнейшие вопросы о войне и мире, о нечестных политиках, о неравенстве, очищали и воспитывали смехом афинское общество.
Вопрос №3.2. Джотто. Поцелуй Иуды. Фреска капеллы Дель Арена в Падуе.
С конца XIII в. начинается Проторенессанс (Предвозрождение), открывающий блистательную эпоху Возрождения в Италии. Великий флорентийский художник Джотто ди Бондоне выразил в своем творчестве нарождающееся новое отношение к человеку и к действительности, во многом противостоящее средневековым представлениям и канонам. (Капелла дель Арена в Падуе (или капелла Скровеньи - по имени заказчика), частная молельня семьи Скровеньи, была сооружена (1303-1306) на месте древнеримского амфитеатра, отсюда ее название). В капелле фрески расположены в три ряда и заключены в прямоугольники, это как бы картины, написанные на стенах. На алтарной стене Джотто поместил сцену Благовещения, на стене у входа - сцену Страшного суда.
Художественной вершиной падуанского цикла считается "Поцелуй Иуды". В Евангелии от Луки повествуется: Христос "пошел по обыкновению на гору Елеонскую, за ним последовали и ученики его... Он пришел к ученикам, и нашел их, спящими от печали и сказал им: Что вы спите? Встаньте и молитесь, чтобы не впасть в искушение. Когда Он еще говорил это, появился народ, а впереди его шел один из двенадцати, называемый Иуда, и он подошел к Иисусу, чтобы поцеловать Его.
Ибо он такой им дал знак: Кого я поцелую, Тот и есть. Иисус же сказал ему: Иуда! Целованием ли предаешь Сына человеческого". (Лука 24: 39, 45-48). Художник помещает в центре композиции на фоне взволнованной толпы с поднятыми копьями и пылающими факелами две фигуры - Христа и предательски обнимающего Его Иуды. Композиция фрески, хотя и сохраняет в целом некоторую статичность, каждая фигура исполнена живого движения, что резко отличает творчество Джотто от позднеготических живописцев - его современников. Удивителен охристо-золотистый тон плаща Иуды. Особая цветовая гамма произведений Джотто восхищала художников Ренессанса. Он ввел в живопись изображение трехмерного пространства, стал моделировать объемы фигур светотенью.
Композиционный центр фрески - поединок взглядов Христа и Иуды. Прекрасен и светел лик Христа. Его взор проникает в темные глубины души предателя Иуды. Вспомним, что Данте считал предательство тягчайшим из грехов и погрузил предателей в ледяное озеро Коцит в центре ада. Иуду страшит поразительное спокойствие взора Христа, прозревшего свою собственную судьбу и решившегося испить свою чашу до дна, чтобы своими муками искупить человеческие грехи и даровать людям спасение и обетование жизни вечной. Иуда силится выдержать взгляд Христа, но трепещет от страха. На фреске Джотто дано едва ли не лучшее в мировом искусстве изображение безмолвного поединка взглядов - труднейшего для живописца. У Джотто впервые появляется попытка психологической характеристики образов. Она сочетается с предельной обобщенностью, поднимающей живописное произведение до уровня символа.
Два образа противопоставлены друг другу как два полярных начала — добро и зло, прекрасное и безобразное, возвышенное и низменное. И чем ближе приближается Иуда, тем светлее становится облик Христа. «Основной художественный эффект этой фрески исходит из контрастного противопоставления прекрасной головы Христа с ее ясным, чистым профилем дегенеративно-преступной голове Иуды. Эти две головы воплощают в себе светлое и темное начала жизни, мир добра и мир зла. Обнявший Христа Иуда тянется к своей жертве, чтобы запечатлеть на ее устах предательский поцелуй, сопровождаемый лживыми словами: «Радуйся, Равви». Христос спокойно и без тени презрения наклонил голову навстречу неизбежному злу. Через мгновение плотоядные губы Иуды прикоснутся к его щеке. С изумительным художественным тактом передал Джотто контраст между классически правильным, благородным лицом Христа с высоким открытым лбом, ясным взором и выражением какой-то особой просветленности и отталкивающим лицом Иуды с его низким, преступным лбом, обросшим густыми волосами, с его глядящими исподлобья глазами, с его длинным с перебитой переносицей носом, с его чувственными, полными губами. При взгляде на эти противостоящие друг другу головы у зрителя не остается никаких сомнений относительно того, на чьей стороне нравственное превосходство»
Организовывал театральные представления архонт - представитель городских властей. Он назначал из состоятельных граждан хорега (мецената), который оплачивал постановку пьес. Театральные представления продолжались несколько дней с утра и до темноты, и зритель успевал просмотреть три-четыре пьесы. Чтобы выдержать столь долгий спектакль, зрители приносили с собой из дома пищу, напитки и подушки на каменную скамью, чтобы было удобнее сидеть.
Еще во время Сельских Дионисий земледельцы одевали козлиные шкуры и маски,
подражая сатирам. Они пели в честь Диониса хвалебные песни-гимны - дифирамбы - и
изображали какой-нибудь его чудесный подвиг.>Эта группа певцов называлась хором. В
первых представлениях пел только хор, но позже руководитель этого хора - корифей - и
изображавший бога Диониса актер стали вести с хором и друг с другом разговор -
диалог.
Так из хоровых песен козлоногих спутников Диониса возникли главные жанры греческого театрального искусства: трагедия и комедия. Слово «трагедия» в дословном переводе означает «песнь козлов». Комедия же родилась из песен веселых поселян, шествие которых во время Сельских Дионисий называлось комос. Позднее появился третий тип греческой драмы - «драма сатиров» («трагедия, которая шутит»).
Трагедия, обычно рассказывая о богах и героях из мифов, поднимала вечные проблемы, например, о чести и доблести. Персонажи комедий были, как правило, обыкновенными людьми, ошибки и пороки которых высмеивались с выдумкой, весельем и грубоватыми шутками. В сатировской драме трагическая тема и трагические герои изображались комически, а хор был одет сатирами, которые представляли полулюдей-пол у зверей.
Первоначально театрализованные выступления проходили на рыночных площадях, но позднее в греческих городах стали строить по склонам гор и холмов открытые театры. Греческий театр, как и храм, был связан с природой. Крыши и стен не было, и зритель, кроме круглой площадки с актерами, мог видеть окружающий пейзаж с голубыми горами и морем.
Театр состоял из трех основных частей: театрона, орхестры и скены.
Театрон («место для зрелищ») - это зрительские скамьи, сооруженные на склоне холма и вмещавшие тысячи людей. Они разделялись проходами на секторы. Знатные люди занимали специальные каменные сидения в первом ряду.
Другая часть театра - орхестра («место для пляски»), представляла собой круглую площадку, на которой выступали актеры и хор. В центре орхестры находился алтарь, который использовался для жертвоприношений богу Дионису, что еще раз доказывает возникновение греческого театра из религиозного обряда. Выходил хор на орхестру через боковой проход - парод, Акустика театра была такой хорошей, что слова, произнесенные шепотом на орхестре, были слышны на самых отдаленных скамьях театрона (амфитеатра).
У края орхестры против мест зрителей возводилось скена («палатка») - небольшое здание, где устанавливались декорации. Первоначально скена действительно играла роль палатки, где переодевались актеры, т.е. была своеобразным закулисным помещением. Но позднее она стала играть роль архитектурного и декорационного фона к спектаклю. Из трех элементов театра скена была наиболее подвержена изменениям. Позднее она стала возводиться в два этажа, а действие пьесы переносилось на крышу первого этажа.
Убранство скены менялось в зависимости от типа пьесы. Для представления трагедии нужны были элементы дворцовой обстановки: колонны, фронтоны, статуи. В комедиях персонажи выступали в более простой среде, и декорации изображали частные дома с балконами и окнами с видами на окружающую местность. Сатировская драма требовала декораций с изображением видов природы: леса, гор, пещер. Часто на скене использовались простейшие механизмы для актеров, изображающих летающих по воздуху богов. Однако греческий театр не был натуралистичным. То, чего нельзя было изобразить, домысливал сам зритель.
Первоначально спектакль представлял собой песни и танцы в исполнении хора. Позднее появился актер, который вел диалог с предводителем хора. Затем в пьесах стали играть второй и третий актеры, а хор только комментировал события.
Участниками представлений в Древней Греции были только мужчины. Чтобы лучше было видно происходящее на сцене, актеры играли на котурнах - специальной возвышающей рост актера обуви на толстой подошве, и в мужских и женских масках, которые были больше лица героя и имели крупные, выразительные черты. Кроме этого у масок был сделан большой рот в виде рупора, что усиливало голос актера. Меняя маски, актеры исполняли несколько ролей. Раскрашенные маски из холста, пробки или глины изображали душевное состояние героя - радость, горе, боль, страх, жестокость и т. д. Поверх маски иногда одевался парик с пышной прической, достойной богов и героев. Выступали актеры в костюмах. Счастливые персонажи одевались в яркие костюмы, а трагические - в темные.
Всемирную славу искусству греческого театра принесли Эсхил, Софокл, Еврипид и Аристофан. Их влияние на последующую мировую литературу огромно. Поэты, драматурги, музыканты, художники всех эпох обращались к их бессмертным произведениям. Их творчество сыграло огромную роль в воспитании многих поколений.
Эсхил . Его по праву считают «отцом трагедии», 13 раз он был победителем драматических состязаний, и его пьесы получили право на повторные постановки. Эсхил ввел в трагедию второго актера и перевел внимание с хора на диалог актеров, увеличив число диалогов и действующих лиц. Он ввел роскошные костюмы, маски, котурны и разнообразные сценические приспособления. («Персы», «Прикованный Прометей»). В трагедиях, посвященных богам и героям из мифов, Эсхил выступал как пламенный патриот, враг насилия и невежества, верящий в разум и справедливость. Его произведения воспитывали в согражданах мужество, мудрость и чувство меры - то, что древними ценилось в человеке более всего.
Софокл. Расцвет его творчества приходится на время наивысшего культурного и экономического подъема Афин. В 468 г. до н. э. в состязаниях трагических поэтов он сумел победить великого Эсхила. Он ввел третьего актера и сократил объем партий хора. («Царь Эдип» и «Антигона»).
Еврипид. На состязаниях трагиков он одержал четыре победы, а пятую ему присудили посмертно. Лучшая из дошедших трагедий - «Медея». В своих произведениях Еврипид приближает трагедию к жизни, показывая своих героев такими, какие они есть
Аристофан - «отец комедии», прославился замечательными комедиями, которые высмеивали уродливые стороны жизни человека. («Облака, «Мир», «Птицы»). Остроумные комедии Аристофана, затрагивая важнейшие вопросы о войне и мире, о нечестных политиках, о неравенстве, очищали и воспитывали смехом афинское общество.
Вопрос №3.2. Джотто. Поцелуй Иуды. Фреска капеллы Дель Арена в Падуе.
С конца XIII в. начинается Проторенессанс (Предвозрождение), открывающий блистательную эпоху Возрождения в Италии. Великий флорентийский художник Джотто ди Бондоне выразил в своем творчестве нарождающееся новое отношение к человеку и к действительности, во многом противостоящее средневековым представлениям и канонам. (Капелла дель Арена в Падуе (или капелла Скровеньи - по имени заказчика), частная молельня семьи Скровеньи, была сооружена (1303-1306) на месте древнеримского амфитеатра, отсюда ее название). В капелле фрески расположены в три ряда и заключены в прямоугольники, это как бы картины, написанные на стенах. На алтарной стене Джотто поместил сцену Благовещения, на стене у входа - сцену Страшного суда.
Художественной вершиной падуанского цикла считается "Поцелуй Иуды". В Евангелии от Луки повествуется: Христос "пошел по обыкновению на гору Елеонскую, за ним последовали и ученики его... Он пришел к ученикам, и нашел их, спящими от печали и сказал им: Что вы спите? Встаньте и молитесь, чтобы не впасть в искушение. Когда Он еще говорил это, появился народ, а впереди его шел один из двенадцати, называемый Иуда, и он подошел к Иисусу, чтобы поцеловать Его.
Ибо он такой им дал знак: Кого я поцелую, Тот и есть. Иисус же сказал ему: Иуда! Целованием ли предаешь Сына человеческого". (Лука 24: 39, 45-48). Художник помещает в центре композиции на фоне взволнованной толпы с поднятыми копьями и пылающими факелами две фигуры - Христа и предательски обнимающего Его Иуды. Композиция фрески, хотя и сохраняет в целом некоторую статичность, каждая фигура исполнена живого движения, что резко отличает творчество Джотто от позднеготических живописцев - его современников. Удивителен охристо-золотистый тон плаща Иуды. Особая цветовая гамма произведений Джотто восхищала художников Ренессанса. Он ввел в живопись изображение трехмерного пространства, стал моделировать объемы фигур светотенью.
Композиционный центр фрески - поединок взглядов Христа и Иуды. Прекрасен и светел лик Христа. Его взор проникает в темные глубины души предателя Иуды. Вспомним, что Данте считал предательство тягчайшим из грехов и погрузил предателей в ледяное озеро Коцит в центре ада. Иуду страшит поразительное спокойствие взора Христа, прозревшего свою собственную судьбу и решившегося испить свою чашу до дна, чтобы своими муками искупить человеческие грехи и даровать людям спасение и обетование жизни вечной. Иуда силится выдержать взгляд Христа, но трепещет от страха. На фреске Джотто дано едва ли не лучшее в мировом искусстве изображение безмолвного поединка взглядов - труднейшего для живописца. У Джотто впервые появляется попытка психологической характеристики образов. Она сочетается с предельной обобщенностью, поднимающей живописное произведение до уровня символа.
Два образа противопоставлены друг другу как два полярных начала — добро и зло, прекрасное и безобразное, возвышенное и низменное. И чем ближе приближается Иуда, тем светлее становится облик Христа. «Основной художественный эффект этой фрески исходит из контрастного противопоставления прекрасной головы Христа с ее ясным, чистым профилем дегенеративно-преступной голове Иуды. Эти две головы воплощают в себе светлое и темное начала жизни, мир добра и мир зла. Обнявший Христа Иуда тянется к своей жертве, чтобы запечатлеть на ее устах предательский поцелуй, сопровождаемый лживыми словами: «Радуйся, Равви». Христос спокойно и без тени презрения наклонил голову навстречу неизбежному злу. Через мгновение плотоядные губы Иуды прикоснутся к его щеке. С изумительным художественным тактом передал Джотто контраст между классически правильным, благородным лицом Христа с высоким открытым лбом, ясным взором и выражением какой-то особой просветленности и отталкивающим лицом Иуды с его низким, преступным лбом, обросшим густыми волосами, с его глядящими исподлобья глазами, с его длинным с перебитой переносицей носом, с его чувственными, полными губами. При взгляде на эти противостоящие друг другу головы у зрителя не остается никаких сомнений относительно того, на чьей стороне нравственное превосходство»